Krdytkyu

Charles Spencer Chaplin, dit Charlie Chaplin, né le 16 avril 1889 et mort le 25 décembre 1977 à Corsier-sur-Vevey (Suisse), est un acteur, réalisateur, scénariste, producteur et compositeur britannique qui devint une idole du cinéma muet grâce à son personnage de Charlot. Durant une carrière longue de 65 ans, il joua dans plus de 80 films, et sa vie publique et privée a fait l'objet d'adulation comme de controverses.

Né peut-être à Londres, Chaplin grandit dans la misère entre un père absent et une mère en grandes difficultés financières, tous deux artistes de music-hall, qui se séparèrent deux ans après sa naissance. Plus tard, sa mère fut internée à l'hôpital psychiatrique alors que son fils avait quatorze ans. À l'âge de cinq ans, il fait sa première apparition sur scène. Il commence très tôt à se produire dans des music-halls et devient rapidement acteur. À 19 ans, il est remarqué par l'imprésario Fred Karno et réalise une tournée aux États-Unis. Il joue au cinéma pour la première fois en 1914 dans le film Pour gagner sa vie et travaille avec les sociétés de production Essanay, Mutual et First National. En 1918, il était devenu l'une des personnalités les plus connues au monde.

En 1919, Chaplin cofonde la société United Artists et obtient ainsi le contrôle total sur ses œuvres. Parmi ses premiers longs-métrages figurent Charlot soldat (1918), Le Kid (1921), L'Opinion publique (1923), La Ruée vers l'or (1925) et Le Cirque (1928). Il refuse de passer au cinéma sonore et continue de produire des films muets dans les années 1930, comme Les Lumières de la ville (1931) et Les Temps modernes (1936). Ses œuvres devinrent ensuite plus politiques, avec notamment Le Dictateur (1940), dans lequel il se moquait d'Hitler et de Mussolini. Sa popularité décline dans les années 1940 en raison de controverses au sujet de ses liaisons avec des femmes bien plus jeunes que lui et d'un procès en reconnaissance de paternité. Chaplin fut également accusé de sympathies communistes et les enquêtes du FBI et du Congrès lui firent perdre son visa américain. Il choisit de s'établir en Suisse en 1952. Il abandonna son personnage de Charlot dans ses derniers films, dont Monsieur Verdoux (1947), Les Feux de la rampe (1952), Un roi à New York (1957) et La Comtesse de Hong-Kong (1967).

Chaplin écrivit, réalisa, produisit, composa la musique et joua dans la plupart de ses films. Il était perfectionniste et son indépendance financière lui permit de consacrer des années au développement de ses œuvres. Bien qu'étant des comédies de type slapstick, ses films intégraient des éléments de pathos et étaient marqués par les thèmes sociaux et politiques ainsi que par des éléments autobiographiques. En 1972, l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences lui a remis un Oscar d'honneur pour sa contribution inestimable à l'industrie cinématographique et plusieurs de ses œuvres sont aujourd'hui considérées comme faisant partie des plus grands films de tous les temps.

Biographie |

Jeunesse (1889-1913) |

Enfance |

Charles Spencer Chaplin est né le 16 avril 1889 ; il était le deuxième enfant d'Hannah Chaplin née Hill (1865-1928) et de Charles Chaplin Sr. (1863-1901). Son acte de naissance n'a pas été retrouvé dans les registres de l'état civil, mais Chaplin considérait qu'il était né dans une maison d'East Street dans le quartier de Walworth du sud de Londres^{[1],[n 1]}. Ses parents s'étaient mariés quatre ans plus tôt, après que Charles Sr. eut reconnu Sydney John, un fils issu d'une précédente relation d'Hannah avec un homme inconnu^[5]. Au moment de sa naissance, les parents de Chaplin étaient tous deux des artistes de music-hall. Sa mère, fille d'un cordonnier^[6], menait une carrière sans grand succès sous le nom de scène de Lily Harley^[7], tandis que son père, fils d'un boucher^[8], était un chanteur populaire^[9]. Ils se séparèrent vers 1891^[10] et l'année suivante, Hannah donna naissance à son troisième fils, Wheeler Dryden, issu d'une relation avec le chanteur de music-hall Leo Dryden ; l'enfant fut emmené par son père à l'âge de six mois et resta éloigné de Chaplin pendant trente ans^[11].

L'enfance de Chaplin fut marquée par la misère et les privations, ce qui poussa son biographe officiel David Robinson à écrire que son parcours ultérieur fut « le plus spectaculaire de tous les récits jamais racontés sur l'ascension des haillons aux richesses »^[12]. Il passa ses premières années avec sa mère et son frère Sydney dans le borough londonien de Kennington ; hormis quelques travaux de couture ou de nourrice, Hannah n'avait aucun revenu et Charles Sr. n'apporta aucun soutien à ses enfants^[13]. Alors que la situation financière du foyer se détériorait, Chaplin fut envoyé dans une workhouse à l'âge de sept ans^{[n 2]}. Il indiqua par la suite qu'il y connut une « triste existence »^[15] et fut brièvement rendu à sa mère 18 mois plus tard ; Hannah fut rapidement contrainte de se séparer à nouveau de ses enfants, qui furent envoyés dans une autre institution pour enfants indigents^[16].

En septembre 1898, la mère de Chaplin fut admise à l'asile psychiatrique de Cane Hill après avoir développé une psychose apparemment provoquée par la malnutrition et la syphilis^[17]. Durant les deux mois de son hospitalisation, Chaplin et son frère furent envoyés vivre avec leur père qu'ils connaissaient à peine^[18]. Charles Sr. avait alors sombré dans l'alcoolisme et sa conduite entraîna la visite d'une organisation de protection de l'enfance^[19]. Il mourut deux ans plus tard, à l'âge de 38 ans, d'une cirrhose^[20].

L'état de santé d'Hannah s'améliora^[19], mais elle fit une rechute en mai 1903. Chaplin, alors âgé de 14 ans, l'emmena au dispensaire, d'où elle fut renvoyée à Cane Hill^[21]. Il vécut seul pendant plusieurs jours et dormit dans la rue en attendant le retour de son frère qui s'était engagé dans la Marine deux ans plus tôt^{[22],[23],[24]}. Hannah quitta l'asile au bout de huit mois^[25], mais elle rechuta de manière permanente en mars 1905. Chaplin écrivit plus tard que « nous ne pouvions rien faire d'autre qu'accepter le triste destin de notre mère ». En 1921, Charlie et son frère Sydney obtiennent qu'elle vienne les rejoindre à Hollywood. Charlie lui a acheté une maison en bord de mer, et Hannah y vivra ses sept dernières années, soignée à domicile. C'est là qu'elle pourra revoir son troisième fils, Wheeler Dryden, dont elle avait été séparée depuis trente ans, peu après sa naissance. Elle meurt le 28 août 1928^[26].

Premières prestations |

Chaplin commença très tôt à se produire sur scène. Il réalisa sa première apparition à cinq ans en remplaçant Hannah lors d'un spectacle à Aldershot^{[n 3]}. Cela fut une exception, mais sa mère l'encouragea dans cette voie, et il rapporta par la suite qu'« elle [l]'imprégna du sentiment [qu'il] avait une sorte de talent »^[29]. Grâce aux relations de son père^[30], il devint membre de la troupe de danseurs Eight Lancashire Lads et se produisit dans les music-halls britanniques en 1899 et 1900^{[n 4]}. Chaplin travaillait dur et la troupe était populaire, mais il ne se satisfaisait pas de la danse et voulait se tourner vers la comédie^[32].

Alors que Chaplin était en tournée avec les Eight Lancashire Lads, sa mère s'assura qu'il continuait à aller à l'école^[33], mais il abandonna vers treize ans^[34]. Après une période de petits boulots^[35], il s'inscrivit dans une agence artistique du West End de Londres à quatorze ans peu après la rechute de sa mère. Le responsable de l'agence discerna un potentiel chez Chaplin et lui offrit rapidement son premier rôle en tant que vendeur de journaux dans la pièce Jim, a Romance of Cockayne de Harry A. Saintsbury^[36]. La première eut lieu en juillet 1903, mais le spectacle ne rencontra pas le succès et les représentations s'arrêtèrent au bout de deux semaines ; la performance comique de Chaplin fut néanmoins remarquée par les critiques^{[37],[38],[39]}. Saintsbury lui obtint ensuite le rôle du groom Billy dans la pièce Sherlock Holmes de Charles Frohman^[40]. Son jeu fut si bien reçu qu'il fut appelé à Londres pour se produire aux côtés de William Gillette, qui avait coécrit la pièce avec Arthur Conan Doyle^[41]. Il fit sa dernière tournée de Sherlock Holmes au début de l'année 1906 après y avoir joué pendant plus de deux ans et demi^[42].

Acteur comique |

Chaplin rejoignit rapidement une autre compagnie et joua dans une comédie à sketchs, Repairs, avec son frère Sydney qui s'était également lancé dans une carrière artistique^[43]. En mai 1906, il participa au spectacle pour enfants Casey's Circus^[44] et développa son jeu burlesque qui lui permit de devenir rapidement la star de la pièce. À la fin de la tournée en juillet 1907, le jeune homme de 18 ans était devenu un comédien accompli^[45],[46]. Il eut néanmoins des difficultés à trouver du travail et une brève incursion dans le stand-up ne rencontra pas le succès escompté^[47],[48].

Dans le même temps, Sydney Chaplin avait rejoint en 1906 la prestigieuse troupe comique de Fred Karno, dont il était devenu l'un des acteurs principaux en 1908^{[49],[50],[51]}. En février, il parvint à obtenir une période d'essai de deux semaines pour son frère cadet. Karno ne fut initialement pas convaincu et considérait Chaplin comme un « enfant à l'air renfrogné pâle et chétif » qui « semblait bien trop timide pour faire quoi que ce soit de bien au théâtre »^[52]. Il fut cependant impressionné par sa première prestation au London Theatre et l'engagea immédiatement^[53]. Après des rôles secondaires, Chaplin accéda aux rôles principaux en 1909^[54] et il fut l'acteur principal de la nouvelle comédie Jimmy the Fearless en avril 1910. Ce fut un grand succès qui attira l'attention de la presse sur le jeune artiste^[55],[56].

Karno choisit sa nouvelle vedette pour participer avec une partie de sa troupe à une tournée en Amérique du Nord^[57]. Chaplin mena les spectacles de music-hall et impressionna les critiques qui le décrivirent comme « l'un des meilleurs artistes de pantomime jamais vu »^[58]. La tournée dura 21 mois et la troupe retourna en Grande-Bretagne en juin 1912^[59]. Chaplin se souvint qu'il « eut le sentiment troublant de revenir aux platitudes déprimantes » et fut ravi quand une nouvelle tournée commença en octobre^[60],[61].

Débuts dans le cinéma (1914-1917) |

Keystone |

Alors qu'il en était au sixième mois de sa tournée américaine, Chaplin fut invité à rejoindre la New York Motion Picture Company ; un des responsables de la société avait assisté à un de ses spectacles et pensait qu'il pourrait remplacer Fred Mace, la star du studio Keystone, qui voulait prendre sa retraite^[62]. Chaplin considérait les comédies de Keystone comme un « mélange grossier » mais appréciait la perspective d'une nouvelle carrière^[63] ; il signa en septembre 1913 un contrat d'un an avec un salaire hebdomadaire de 150 $ (environ 6 810 $ de 2012^{[n 5]})^[64],[65].

Chaplin arriva dans les studios de Los Angeles au début du mois de décembre 1913^[66] et rencontra son responsable Mack Sennett, qui pensait que le jeune homme de 24 ans paraissait trop jeune^[67]. Il ne joua pas avant la fin du mois de février 1914 et profita de cette période pour se familiariser avec la réalisation cinématographique^[68]. Il fit ses débuts dans le court-métrage Pour gagner sa vie, sorti le 2 février 1914, mais détesta le film^[69]. Dans ce premier film, il se présentait comme une sorte de dandy en redingote étriquée, chapeau haut-de-forme et grandes moustaches tombantes^[70]. Pour son second rôle, Chaplin choisit le costume de Charlot (en anglais, The Tramp ou vagabond) avec lequel il se fit connaître ; dans son autobiographie, il décrivit le processus :

« Je voulais que tout soit une contradiction : le pantalon ample, la veste étriquée, le chapeau étroit et les chaussures larges… J'ai ajouté une petite moustache qui, selon moi, me vieillirait sans affecter mon expression. Je n'avais aucune idée du personnage mais dès que je fus habillé, les vêtements et le maquillage me firent sentir qui il était. J'ai commencé à le connaître et quand je suis entré sur le plateau, il était entièrement né^{[71],[n 6]}. »

Ce film fut L'Étrange Aventure de Mabel mais le personnage de « Charlot » apparut pour la première fois dans Charlot est content de lui tourné peu après mais qui sortit deux jours plus tôt le 7 février 1914^[73]. Chaplin adopta rapidement ce personnage et fit des suggestions pour les films dans lesquels il apparaissait mais elles furent rejetées par les réalisateurs^[74]. Durant le tournage de son 11^e film, Mabel au volant, il affronta la réalisatrice Mabel Normand et l'incident faillit entraîner la résiliation de son contrat. Sennett le conserva néanmoins après avoir reçu des commandes pour de nouveaux films avec Chaplin. Il l'autorisa également à réaliser son prochain film après que Chaplin eut promis de payer 1 500 $ (environ 68 000 $ de 2012^{[n 5]}) s'il ne marchait pas^[75].

Un béguin de Charlot sorti le 4 mai 1914 marqua les débuts de réalisateur de Chaplin et connut un grand succès^[76]. Par la suite, il réalisa quasiment tous les courts-métrages de Keystone dans lesquels il joua^[77] ; Chaplin rapporta par la suite que cette période où il réalisait environ un film par semaine^[78] fut la plus excitante de sa carrière^[79]. Il introduisit une forme de comédie plus lente que les farces typiques de Keystone^[73] et rassembla rapidement un grand nombre d'admirateurs^[80],[81]. En novembre 1914, il joua avec Marie Dressler dans le long-métrage Le Roman comique de Charlot et Lolotte réalisé par Sennet ; le film fut un succès et accrut sa popularité^[82]. Lorsque le contrat de Chaplin expira à la fin de l'année, il demanda un salaire hebdomadaire de 1 000 $ (environ 45 200 $ de 2012^{[n 5]}), une somme que Sennett refusa car trop élevée^[83].

Essanay |

L'Essanay Film Manufacturing Company proposa à Chaplin un salaire hebdomadaire de 1 250 $ (environ 56 500 $ de 2012^{[n 5]}) avec une prime d'embauche de 10 000 $. Il intégra le studio à la fin du mois de décembre 1914^[84] et rejoignit d'autres acteurs comme Leo White, Bud Jamison, Paddy McGuire et Billy Armstrong. Alors qu'il était à la recherche d'un second rôle féminin pour son deuxième film, Charlot fait la noce, il repéra une secrétaire appelée Edna Purviance dans un café à San Francisco. Il l'embaucha et elle tourna avec lui dans 35 films^[85] ; ils eurent également une aventure sentimentale jusqu'en 1917^[86].

Chaplin exerçait un contrôle important sur ses films et il commença à consacrer beaucoup de temps et d'énergie dans chacune de ses réalisations^{[87],[88],[89]}. Un mois sépara sa seconde production, Charlot fait la noce, et sa troisième, Charlot boxeur^[90], et il adopta ce rythme pour ses réalisations ultérieures avec Essenay^[91]. Il modifia également son personnage qui avait été critiqué par Keystone en raison de son caractère « malveillant, rustre et grossier » pour lui donner une personnalité plus douce et romantique^[92]. Cette évolution fut illustrée par Le Vagabond en avril 1915^[93],[94] et Charlot garçon de banque en août qui comportaient un final plus triste. Robinson note que cela était une innovation pour les films comiques et les critiques sérieux commencèrent à plus apprécier son travail^[95]. L'historien du cinéma Simon Louvish indiqua qu'avec Essanay Chaplin « trouva les thèmes qui définirent le monde de Charlot »^[96].

Immédiatement après ses débuts cinématographiques, Chaplin devint un phénomène culturel. Les magasins vendaient des produits associés à son personnage de Charlot qui apparut dans des bandes dessinées et dans des chansons^{[97],[78],[98]}. En juillet 1915, un journaliste du magazine Motion Picture Magazine écrivit que la « chaplinite » se propageait en Amérique^[99]. Sa popularité s'étendit également à l'étranger et il devint la première star internationale du cinéma^[100],[101]. Alors que son contrat avec Essenay expirait en décembre 1915^[102], Chaplin, pleinement conscient de sa célébrité, demanda une prime d'embauche de 150 000 $ (environ sept millions de dollars de 2012^{[n 5]}) à son nouveau studio. Il reçut plusieurs propositions venant entre autres d'Universal, de la Fox et de Vitagraph^[103].

Mutual (1916-1917) |

Il fut finalement embauché par le studio Mutual, qui lui accorda un salaire annuel de 670 000 $, faisant de Chaplin, alors âgé de 26 ans, l'une des personnes les mieux payées au monde^[104]. Cette somme élevée choqua le public et fut largement reprise dans la presse^[105]. Le président du studio, John R. Freuler, expliqua que : « Nous pouvons nous permettre de payer ce gros salaire annuel à M. Chaplin car le public veut Chaplin et paiera pour le voir »^[106].

Mutual accorda à Chaplin son propre studio à Los Angeles, qui fut inauguré en mars 1916^[107]. Il recruta deux nouveaux acteurs pour l'accompagner, Albert Austin et Eric Campbell^[108], et réalisa une série de films plus élaborés et mélodramatiques : Charlot chef de rayon, Charlot pompier, Charlot musicien, Charlot rentre tard, Charlot et le Comte^[109]. Pour Charlot usurier, il embaucha l'acteur Henry Bergman, qui travailla avec lui pendant 30 ans^[110]. Charlot fait du ciné et Charlot patine furent ses dernières réalisations pour l'année 1916. Le contrat avec Mutual stipulait qu'il devait réaliser un court-métrage toutes les quatre semaines, ce qu'il avait fait^[111]. Il commença néanmoins à demander plus de temps pour créer ses films et il n'en réalisa que quatre autres pour Mutual dans les dix premiers mois de l'année 1917 : Charlot policeman, Charlot fait une cure, L'Émigrant et Charlot s'évade^[112]. Du fait de leur réalisation méticuleuse et de leur construction soignée, ces films sont considérés comme parmi les meilleures œuvres de Chaplin par les spécialistes du cinéaste^{[113],[114],[112],[115]}. Plus tard, Chaplin indiqua que ses années à Mutual furent les plus heureuses de sa carrière^[116].

Chaplin fut critiqué par la presse britannique pour son absence de participation à la Première Guerre mondiale^[117]. Il répondit qu'il se battrait pour le Royaume-Uni s'il y était appelé et qu'il avait répondu à la conscription américaine ; aucun des deux pays ne lui demanda de s'enrôler et l'ambassade britannique aux États-Unis publia une déclaration indiquant que « [Chaplin] est bien plus utile à la Grande-Bretagne en gagnant de l'argent et en achetant des obligations de guerre que dans les tranchées »^[118]. Malgré ces critiques, Chaplin était l'un des acteurs préférés des soldats^[119], et sa popularité continua de grandir dans le monde entier. Le magazine américain Harper's Weekly rapporta que le nom de Charlie Chaplin faisait « partie de la langue véhiculaire de presque tous les pays » et que l'image de Charlot était « universellement familière »^[120]. En 1917, les imitateurs professionnels de Charlot étaient si répandus qu'il lança des actions en justice^[121] et il fut rapporté que neuf hommes sur dix qui participaient à des soirées costumées reprenaient son accoutrement^[122]. L'actrice Minnie M. Fiske écrivit qu'un « nombre en constante augmentation de personnes cultivées commencent à considérer le jeune bouffon anglais, Charlie Chaplin comme un artiste extraordinaire et un génie comique »^[120].

First National (1918-1922) |

Mutual ne se formalisa pas de la production réduite de Chaplin et le contrat se termina à l'amiable. Pour son nouveau studio, son principal objectif était d'avoir une plus large indépendance ; son frère Sydney, devenu son agent artistique, déclara à la presse que « Chaplin doit être autorisé à avoir tout le temps et l'argent nécessaire pour produire les films à sa manière… C'est la qualité, non la quantité, que nous voulons »^[123]. En juin 1917, Chaplin signa un contrat d'un million de dollars (environ 34 millions de dollars de 2012^{[n 5]}) pour huit films avec l'association de propriétaires de salles de cinéma First National Pictures^[124]. Il décida de construire son propre studio sur un terrain de 5 acres (20 200 m²) près de Sunset Boulevard avec les meilleures installations et équipements disponibles^[125],[126]. Le studio fut inauguré en janvier 1918^[127] et Chaplin reçut une grande liberté pour la réalisation de ses films^[128].

Une vie de chien distribué en avril 1918, fut son premier film sous ce nouveau contrat. Il y démontra une attention grandissante pour l'intrigue et son traitement de Charlot comme « une sorte de Pierrot^[129] ». Le film fut décrit par le critique français Louis Delluc comme « la première œuvre d'art totale du cinéma »^[130]. Chaplin participa ensuite à l'effort de guerre en réalisant une tournée d'un mois aux États-Unis pour lever des fonds pour les alliés^[131]. Il produisit également un court-métrage de propagande pour le gouvernement appelé The Bond^[132]. Son film suivant, Charlot soldat, mit en scène Charlot dans les tranchées ; ses associés le mirent en garde contre une comédie sur la guerre, mais il indiqua par la suite que « dangereuse ou non, l'idée m'excitait »^[133]. Le tournage dura quatre mois et le film de 45 minutes rencontra un grand succès à sa sortie, en octobre 1918^[134].

Après la sortie de Charlot soldat, Chaplin demanda plus de fonds à la First National, qui refusa. Frustré par le manque de considération du studio pour la qualité et inquiet des rumeurs d'une fusion avec Famous Players-Lasky^[135],[136], il se rapprocha de ses collègues Douglas Fairbanks, Mary Pickford et D. W. Griffith pour fonder une nouvelle société de distribution. La création d'United Artists en janvier 1919^[137] fut une révolution pour l'industrie cinématographique, car les quatre fondateurs pouvaient personnellement financer leurs œuvres et avoir un contrôle total sur elles^[138]. Chaplin était impatient de pouvoir commencer avec sa nouvelle entreprise et offrit de racheter son contrat avec la First National. Le studio refusa et insista pour qu'il livre les six derniers films qu'il avait promis^[139].

Avant la création d'United Artists, Chaplin se maria pour la première fois. L'actrice de 17 ans Mildred Harris avait révélé qu'elle était enceinte et ils se marièrent discrètement à Los Angeles en septembre 1918 pour éviter la controverse^[140] ; la grossesse se révéla fausse^[141]. Chaplin n'était pas heureux de cette union, qui selon lui affectait sa créativité, et la réalisation d'Une idylle aux champs fut difficile^[142],[143]. Harris tomba ensuite réellement enceinte et elle accoucha d'un garçon le 7 juillet 1919. Le nouveau-né, Norman Spencer Chaplin, était cependant malformé et mourut trois jours plus tard^[144]. Ils divorcèrent en avril 1920 et Chaplin expliqua dans son autobiographie qu'ils n'étaient « absolument pas faits l'un pour l'autre »^[145],[146].

Cette tragédie personnelle influença l'œuvre de Chaplin, car il envisagea de faire de Charlot le tuteur d'un jeune garçon^[147],[148]. Le tournage du Kid commença en août 1919 avec le jeune Jackie Coogan, alors âgé de quatre ans^[149]. Chaplin réalisa que le projet était plus important que prévu et, pour apaiser la First National, arrêta sa production et tourna rapidement Une journée de plaisir^[150]. La réalisation du Kid dura neuf mois, jusqu'en mai 1920, et sa durée de 68 minutes en faisait le plus long du cinéaste^[151]. Marqué par les thèmes de la pauvreté et de la séparation, on considère que Le Kid fut influencé par la propre enfance de Chaplin^[128] et il fut l'un des premiers films à associer la comédie et le drame^[152]. Le succès fut immédiat à sa sortie en janvier 1921 et il fut distribué dans plus de 50 pays dans les trois années qui suivirent^[153].

Chaplin consacra cinq mois à son film suivant de 31 minutes, Charlot et le Masque de fer^[138]. Après sa sortie en septembre 1921, il décida de retourner en Grande-Bretagne pour la première fois en près d'une décennie^[154]. Il remplit ensuite son contrat avec la First National en réalisant Jour de paye en février 1922 et Le Pèlerin un an plus tard^[155].

United Artists (1923-1938) |

L'Opinion publique et La Ruée vers l'or |

Ayant rempli ses obligations avec la First National, Chaplin était à présent libre de réaliser ses films en tant que producteur indépendant. En novembre 1922, il commença le tournage de L'Opinion publique^[156]. Il voulait que ce drame romantique lance la carrière d'Edna Purviance^[157] et ne réalisa qu'un bref caméo non crédité dans cette production^[158]. Il voulait que le film soit réaliste et demanda à ses acteurs de jouer de manière retenue, expliquant que dans la vie réelle « les hommes et les femmes essayent de dissimuler leurs émotions plutôt que de vouloir les montrer^[159] ». La première de L'Opinion publique en septembre 1923 fut acclamée par la critique pour son approche subtile, qui était alors une innovation^[160]. Le public semblait cependant peu intéressé par un film de Chaplin sans Charlot et il fut un échec^[161]. Le cinéaste fut affecté par ce revers, car il avait voulu réaliser un film dramatique et était fier du résultat ; il retira L'Opinion publique des salles aussi vite que possible^[162].

Chaplin revint à la comédie pour son prochain projet et il rapporta avoir pensé que : « Ce prochain film doit être une épopée ! la plus grande !^[163] » Inspiré par une photographie de la ruée vers l'or du Klondike de 1898 et par le récit de l'expédition Donner de 1846-1847, il réalisa ce que le journaliste Geoffrey Macnab qualifia de « comédie épique sur un sujet grave^[164],[165] ». Dans La Ruée vers l'or, Charlot est représenté comme un prospecteur solitaire affrontant l'adversité et à la recherche de l'amour. Avec Georgia Hale comme partenaire, Chaplin commença le tournage dans les montagnes de l'ouest du Nevada en février 1924^[166]. La production fut complexe, avec plus de 600 figurants, des décors extravagants et des effets spéciaux^[167] ; la dernière scène ne fut réalisée qu'en mai 1925, après 15 mois de tournage^[168].

Avec un coût de près d'un million de dollars^[169], Chaplin considérait que La Ruée vers l'or était le meilleur film qu'il ait réalisé jusque-là^[170]. Après sa sortie en août 1925, il devint l'un des plus gros succès du cinéma muet, avec cinq millions de dollars (environ 132 millions de dollars de 2012^{[n 5]}) de recettes^[169],[171]. La comédie comporte certaines des scènes les plus célèbres de Chaplin, comme celle de Charlot mangeant sa chaussure ou celle dite de la « danse des petits pains »^{[172],[173],[174],[175]}, et il déclara par la suite qu'il s'agissait du film duquel il aimerait que les gens se souviennent de lui^[164].

Lita Grey et Le Cirque |

Alors qu'il réalisait La Ruée vers l'Or, Chaplin se maria pour la deuxième fois. Comme pour sa première union, Lita Grey était une jeune actrice qui devait apparaître dans le film et dont la grossesse imprévue obligea Chaplin à l'épouser. Elle avait 16 ans et lui 35, et selon la loi californienne cette relation aurait pu être qualifiée de viol sur mineure^[176]. D'après les documents du divorce, Chaplin aurait voulu la faire avorter, mais celle-ci aurait refusé. La mère de Lita Grey aurait par ailleurs menacé Chaplin de le dénoncer à la police s'il n'épousait pas sa fille^[177]. Il organisa donc une cérémonie discrète au Mexique le 24 novembre 1924^[178]. Lita accoucha d'un premier fils, Charles Chaplin Jr., le 5 mai 1925, et d'un second, Sydney Earle Chaplin le 30 mars 1926^[179].

Cette union fut malheureuse et Chaplin passait beaucoup de temps en studio pour éviter de voir son épouse^[180]. En novembre 1926, Lita Grey quitta leur foyer avec leurs enfants^[181]. Lors de la difficile procédure de divorce, les documents de Lita Grey accusant Chaplin d'infidélité, de violence et d'entretenir des « désirs sexuels pervers » furent publiés par la presse^{[182],[183],[n 7]}. Il fut rapporté que Chaplin était au bord d'une crise de nerfs, alors que l'histoire faisait la une des journaux et que des groupes furent créés pour demander l'interdiction de ses films^[183],[185]. Impatients de mettre un terme à l'affaire, les avocats de Chaplin acceptèrent en août 1927 de payer 600 000 $ (environ 15,3 millions de dollars de 2012^{[n 5]}), la plus grosse somme accordée lors d'un procès aux États-Unis jusqu'alors^[186]. La popularité de Chaplin lui permit de surmonter l'incident, qui fut rapidement oublié, mais il en resta profondément affecté^[187],[188].

Avant le début de la procédure de divorce, Chaplin avait commencé à travailler sur un nouveau film, Le Cirque^[189]. Le tournage fut suspendu dix mois durant le scandale de son divorce^[190] et la production fut marquée par les difficultés^[191]. Finalement terminé en octobre 1927, Le Cirque sortit en janvier 1928 et reçut un accueil positif^[192]. Lors de la 1^re cérémonie des Oscars, Chaplin reçut un Oscar d'honneur « pour sa polyvalence et son génie à jouer, écrire, mettre en scène et produire Le Cirque^[193] ». Malgré le succès du film, Chaplin l'associa avec le stress de sa production ; il ne le mentionna pas dans son autobiographie et eut du mal à travailler dessus quand il le resonorisa en 1967^[194],[195].

Les Lumières de la ville |

Le cinéma sonore apparaissait à l'époque où sortait Le Cirque. Chaplin était sceptique quant à cette nouvelle technique et estimait que les « parlants » ne valaient pas les films muets, du point de vue artistique^[197],[198]. Il était également réticent à l'idée de changer la formule qui avait fait son succès^{[199],[196],[200]} et craignait que donner une voix à Charlot ne limite son attrait à l'international^[197],[200]. Il rejeta donc cette mode hollywoodienne et commença à travailler sur un nouveau film muet ; cette décision le rendit néanmoins anxieux et il le resta tout au long de la production de ce nouveau projet^[197],[200].

Lorsque le tournage commença à la fin de l'année 1928, Chaplin travaillait sur l'histoire depuis près d'un an^[201],[202]. Les Lumières de la ville mettait en scène l'amour de Charlot pour une fleuriste aveugle, jouée par Virginia Cherrill, et ses efforts pour lever des fonds pour une opération destinée à lui rendre la vue. Chaplin rapporta qu'il « avait travaillé jusqu'au bord de la folie pour obtenir la perfection^[203] » et le tournage dura 21 mois, jusqu'en septembre 1930^[204].

Chaplin finalisa Les Lumières de la ville en décembre 1930 à un moment où les films muets étaient devenus anachroniques^[205]. Une pré-projection ne fut pas un succès^[206], mais la presse fut séduite. Un journaliste écrivit : « Personne d'autre que Charlie Chaplin n'aurait pu le faire. Il est le seul à avoir ce quelque chose d'étrange appelé « attrait de l'audience » en quantité suffisante pour défier le penchant populaire pour les films qui parlent^[207] ». Lors de sa sortie officielle en janvier 1931, Les Lumières de la ville fut un succès populaire et financier qui rapporta plus de trois millions de dollars^{[208],[209],[210]}. Le British Film Institute le cite comme la plus grande réussite de Chaplin et le critique James Agee évoque son final comme « le meilleur jeu d'acteur et le plus grand moment de l'histoire du cinéma^[211],[212] ».

Paulette Goddard et Les Temps modernes |

Les Lumières de la ville avait été un succès mais Chaplin n'était pas certain de pouvoir réaliser un nouveau film sans dialogues. Il restait convaincu que le son ne marcherait pas dans ses films, mais était également « obsédé par la peur déprimante d'être démodé »^[213]. En raison de ces incertitudes, le comédien choisit au début de l'année 1931 de prendre des vacances et il arrêta de tourner pendant 16 mois^[214],[215]. Il visita l'Europe de l'Ouest, dont la France et la Suisse, et décida spontanément de se rendre dans l'Empire du Japon^[216]. La-bas, il fut témoin de l'incident du 15 mai 1932 durant lequel des officiers nationalistes tentèrent un coup d'État, assassinant le premier ministre du Japon Tsuyoshi Inukai. Le plan initial incluait notamment de tuer Charlie Chaplin afin de déclencher une guerre avec les États-Unis^[217]. Quand le premier ministre fut tué, son fils Takeru Inukai assistait à une compétition de sumo avec Charlie Chaplin, ce qui leur a probablement sauvé la vie^[218].

Dans son autobiographie, il nota qu'à son retour à Los Angeles en juin 1932, « [il] était perdu et sans but, fatigué et conscient d'une extrême solitude ». Il envisagea brièvement la possibilité de prendre sa retraite et de s'installer en Chine^[219].

La solitude de Chaplin fut apaisée quand il rencontra en juillet l'actrice de 21 ans, Paulette Goddard, et ils formèrent un couple heureux^[221],[222]. Hésitant encore sur l'opportunité d'un film, il écrivit un roman-feuilleton sur ses voyages, qui fut publié dans le magazine Woman's Home Companion^[223]. Son séjour à l'étranger avait été très stimulant pour Chaplin, qui avait rencontré plusieurs personnages influents, et il s'intéressa de plus en plus aux questions internationales^[224]. L'état du monde du travail américain durant la Grande Dépression le troubla et il craignait que le capitalisme et les machines ne provoquent un fort taux de chômage. Ce furent ces inquiétudes qui le motivèrent à développer son nouveau film^[225],[226].

Les Temps modernes fut présenté par Chaplin comme « une satire de certaines situations de notre vie industrielle^[227] ». Il envisagea d'en faire un film parlant, mais changea d'avis lors des répétitions. Comme ses prédécesseurs, Les Temps modernes utilisait des effets sonores synchronisés, mais presque aucune parole^[228]. Dans le film, l'interprétation en « charabia » d'une chanson par Chaplin donna néanmoins pour la première fois une voix à Charlot^[229]. Après l'enregistrement de la musique, le résultat fut présenté en février 1936^[230]. Il s'agissait de son premier film depuis Le Kid à intégrer des références politiques et sociales^[231] et ce facteur entraîna une forte couverture médiatique, même si Chaplin tenta de minimiser le sujet^[232]. Le film connut un succès moindre que ses précédents films et les critiques furent plus mitigées, certaines désapprouvant sa signification politique^[233],[234]. Les Temps modernes est néanmoins devenu un classique du répertoire de Chaplin^[211],[235].

À la suite de cette sortie, Chaplin se rendit en Extrême-Orient avec Goddard^[236]. Le couple refusa tout commentaire sur la nature de leur relation et on ne savait alors pas vraiment s'ils étaient mariés ou non^[237]. Quelque temps plus tard, Chaplin révéla qu'ils s'étaient mariés à Canton, en Chine, durant ce voyage^[238]. Les deux s'éloignèrent cependant rapidement l'un de l'autre pour se consacrer à leur travail ; Goddard divorça finalement en 1942, en avançant qu'ils étaient séparés depuis plus d'un an^[239].

Controverses et popularité déclinante (1939-1952) |

Le Dictateur |

Chaplin fut profondément perturbé par les tensions politiques et la montée des nationalismes en Europe dans les années 1930^[240],[241] et estima qu'il ne pouvait en faire abstraction dans ses films^[242]. Les observateurs avaient déjà noté les ressemblances entre Adolf Hitler et lui : ils étaient nés à quatre jours d'écart, avaient tous deux accédé à la notoriété mondiale malgré leur origine modeste, et le dictateur allemand portait la même moustache que Charlot. Cette ressemblance physique fut à la base du film suivant de Chaplin, Le Dictateur, qui se moquait directement d'Hitler et du fascisme^{[243],[244],[245],[246],[247],[248]}.

Chaplin consacra deux années à la rédaction du scénario^[249] et commença le tournage en septembre 1939 alors que la Seconde Guerre mondiale venait d'éclater^[250]. Chaplin décida de renoncer au film muet, car il estimait que c'était démodé et qu'il serait plus facile de délivrer un message politique avec la parole^[251]. Réaliser une comédie sur Hitler était très délicat, mais l'indépendance financière de Chaplin lui permit de prendre le risque^[252] : « J'étais déterminé à le faire car on doit se moquer d'Hitler^{[253],[n 8]} ». Dans le film, Chaplin s'éloigna de son personnage de Charlot, tout en conservant son accoutrement, en jouant un « barbier juif » vivant dans une dictature européenne ressemblant considérablement à la dictature hitlérienne ; Chaplin répondait ainsi aux nazis qui prétendaient qu'il était juif^{[n 9]}. Il joua également le dictateur « Adenoïd Hynkel », parodiant Hitler^[255].

Le Dictateur passa une année en postproduction et fut présenté au public en octobre 1940^[256]. Le film fit l'objet d'une importante campagne publicitaire et un critique du New York Times le qualifia de « film attendu avec le plus d'impatience de l'année »^[257]. Il connut un succès populaire considérable, même si le dénouement fut controversé^[258],[259]. Dans ce final où son personnage de barbier juif a pris la place du dictateur, Chaplin prononce un discours de six minutes face à la caméra, dans lequel il expose ses opinions politiques personnelles^[260],[261]. Selon l'historien du cinéma Charles J. Maland, à une époque où le cinéma évitait les thèmes politiques controversés, cette prise de liberté a marqué le début du déclin de la popularité de Chaplin : « Dorénavant, aucun admirateur ne pourra séparer la dimension politique de sa star de cinéma »^[262]. Le Dictateur fut nommé dans cinq catégories lors de la 13^e cérémonie des Oscars, dont celles du meilleur film, du meilleur acteur et du meilleur scénario, même s'il ne remporta aucune statuette^[263].

Joan Barry et Oona O'Neill |

Dans le milieu des années 1940, Chaplin fut impliqué dans une série de procès qui accaparèrent une grande partie de son temps et affectèrent son image publique^[264]. Ces derniers étaient liés à sa relation intermittente avec l'aspirante actrice Joan Barry, entre juin 1941 et l'été 1942^[265]. Ils se séparèrent après que cette dernière eut fait montre de troubles mentaux, et elle fut arrêtée à deux reprises pour harcèlement après cette rupture^{[n 10]}. Elle réapparut l'année suivante en annonçant qu'elle était enceinte du réalisateur ; ce dernier nia et Barry entama une procédure en reconnaissance de paternité^[266].

J. Edgar Hoover, le directeur du Federal Bureau of Investigation (FBI), qui se méfiait des tendances politiques de Chaplin, exploita l'opportunité de nuire à sa réputation. Dans le cadre d'une campagne de diffamation^[267], le FBI l'inculpa dans quatre affaires reliées à ce scandale. Chaplin était en particulier accusé d'avoir violé le Mann Act qui interdisait le transport entre États de femmes à des fins sexuelles^{[n 11]}. L'historien Otto Friedrich a soutenu qu'il s'agissait de « poursuites absurdes » en application d'un « ancien texte^[270] », mais Chaplin risquait quand même jusqu'à 23 ans de prison^[271]. Les preuves pour trois motifs d'accusation se révélèrent insuffisantes pour aller jusqu'au procès, mais l'étude de la violation du Mann Act commença en mars 1944. Chaplin fut acquitté deux semaines plus tard^[268]. L'affaire fit fréquemment la une des journaux et le journal Newsweek la qualifia de « plus grand scandale de relations publiques depuis le procès pour meurtre de Roscoe Arbuckle en 1921^[272] ».

Barry accoucha en octobre 1944 d'une fille, Carole Ann, et le procès en paternité débuta en février 1945. Après deux procès difficiles au cours desquels Chaplin fut accusé de « turpitude morale » par le procureur^[273], il fut déclaré être le père. Le juge refusa d'accepter les preuves médicales, et en particulier la différence de groupe sanguin qui infirmait cette conclusion, et il dut payer une pension à sa fille jusqu'à ses 21 ans^[274]. La couverture médiatique du procès fut influencée par le FBI, qui transmettait des informations à l'influente journaliste à scandales Hedda Hopper^{[275],[276],[277],[278]}.

La controverse entourant Chaplin s'accrut encore quand le 16 juin 1943, deux semaines après le début de la procédure de reconnaissance de paternité, il fut annoncé qu'il épousait sa nouvelle jeune protégée de 18 ans, Oona O'Neill, la fille du dramaturge américain Eugene O'Neill^[279]. Chaplin, alors âgé de 54 ans, lui avait été présenté par un agent artistique sept mois plus tôt^[280],[281], et dans son autobiographie, il décrivit leur rencontre comme « l'événement le plus heureux de [sa] vie » et indiqua qu'il avait découvert le « parfait amour »^[282]. Ils restèrent mariés jusqu'à sa mort en 1977 et eurent huit enfants : Geraldine Leigh (1944), Michael John (1946), Josephine Hannah (1949), Victoria (1951), Eugene Anthony (1953), Jane Cecil (1957), Annette Emily (1959) et Christopher James (1962)^[283].

Monsieur Verdoux et accusations communistes |

Chaplin avança que ces procès avaient « démoli [sa] créativité^[284] » et en avril 1946, il commença le tournage d'un film sur lequel il travaillait depuis 1942^[285]. Monsieur Verdoux était une comédie noire sur un employé de banque français, M. Verdoux joué par Chaplin, réduit au chômage et qui commence à épouser et à assassiner de riches veuves pour subvenir aux besoins de sa famille. L'idée lui avait été fournie par Orson Welles, qui voulait qu'il joue dans un film sur le tueur en série français Henri Désiré Landru. Chaplin estima que ce concept « ferait une superbe comédie^[286] » et acheta le scénario à Welles pour 5 000 $ (environ 130 000 $ de 2012^{[n 5]})^[287].

Chaplin exprima à nouveau ses idées politiques dans Monsieur Verdoux en critiquant le capitalisme^[288],[289] et le film fut très controversé à sa sortie, en avril 1947^{[290],[291],[292]}. Il fut hué lors de la première et certains demandèrent son interdiction^[290],[293]. Il s'agissait du premier film où son personnage n'avait aucun rapport avec Charlot et il fut également le premier à être un échec critique et commercial aux États-Unis^[294]. Il fut mieux accueilli à l'étranger et fut nommé pour le meilleur scénario lors de la 20^e cérémonie des Oscars^[295]. Chaplin était néanmoins fier de son œuvre et écrivit dans son autobiographie : « Monsieur Verdoux est le plus intelligent et plus brillant des films que j'ai réalisés^[296] ».

L'accueil négatif de Monsieur Verdoux était largement le résultat de l'évolution de l'image publique de Chaplin^[297]. En plus du scandale de l'affaire Joan Barry, il fut publiquement accusé d'être communiste^[298],[299]. Ses actions politiques s'étaient intensifiées durant la Seconde Guerre mondiale et il avait fait campagne pour l'ouverture d'un second front pour soulager les Soviétiques^[300]. Il s'était rapproché de sympathisants communistes connus comme Hanns Eisler et Bertolt Brecht et il participa à des réceptions organisées par des diplomates soviétiques à Los Angeles^[301]. Dans le contexte politique de « Peur rouge » qui prévalait à l'époque aux États-Unis, de telles activités faisaient que Chaplin était, selon Larcher, considéré comme « dangereusement progressiste et amoral^{[302],[303],[273]} ». Le FBI était déterminé à lui faire quitter le pays^[304] et il lança une enquête officielle à son encontre en 1947^{[305],[n 12]}.

Chaplin nia être un communiste et se présenta comme un pacifiste^{[307],[308],[309],[310]} qui estimait que les actions du gouvernement américain pour réprimer une idéologie étaient une violation inacceptable des libertés publiques^[311]. Refusant de se taire sur cette question, il protesta ouvertement contre les procès des membres du parti communiste américain devant le House Un-American Activities Committee (HUAC) et fut convoqué par ce dernier^[312],[313]. Alors que ses actions étaient largement relayées dans la presse et que la guerre froide gagnait en intensité, sa non-acquisition de la citoyenneté américaine fut critiquée et certains demandèrent son expulsion^{[314],[315],[273],[316]}. Le représentant du Mississippi John E. Rankin (en) déclara devant le Congrès en juin 1947 : « Sa vie à Hollywood est nuisible au tissu moral des États-Unis. [S'il est expulsé], ses films répugnants pourront être gardés à l'écart des yeux de la jeunesse américaine. Nous devons l'expulser et nous en débarrasser une bonne fois pour toutes^[316]. »

Les Feux de la rampe et expulsion des États-Unis |

Même si Chaplin resta politiquement actif dans les années qui suivirent l'échec de Monsieur Verdoux^{[n 13]}, son film suivant sur un comédien de vaudeville oublié et une jeune ballerine dans le Londres de l'époque édouardienne était dépourvu de toute signification politique. Les Feux de la rampe était largement autobiographique et faisait référence à l'enfance de Chaplin, à la vie de ses parents et à sa perte de popularité aux États-Unis^{[318],[319],[320]}. Parmi les acteurs figuraient plusieurs membres de sa famille, dont ses enfants les plus âgés et son demi-frère, Wheeler Dryden^[321].

Après trois ans de préparation, le tournage commença en novembre 1951^[322]. Il adopta un ton bien plus sérieux que dans ses précédents films et parlait régulièrement de « mélancolie » en expliquant le scénario à sa partenaire Claire Bloom^[323]. Le film est également notable pour la présence de Buster Keaton, qui fut la seule occasion où les deux géniaux artistes travaillèrent ensemble^[324].

Chaplin décida d'organiser la première mondiale des Feux de la rampe à Londres, vu que le film s'y déroulait^[325]. Quittant Los Angeles, il indiqua qu'il s'attendait à ne jamais pouvoir revenir, chassé par l'Amérique maccarthyste^[326]. À New York, il embarqua avec sa famille à bord du paquebot transatlantique RMS Queen Elizabeth le 18 septembre 1952^[327]. Le lendemain, le procureur général des États-Unis, James McGranery, révoqua le visa de Chaplin et déclara qu'il devrait se soumettre à un entretien sur ses opinions politiques et sa moralité pour pouvoir revenir aux États-Unis^[327]. Même si McGranery indiqua à la presse qu'il avait « un dossier assez solide contre Chaplin », Maland conclut, en s'appuyant sur les documents du FBI rendus publics dans les années 1980, que le gouvernement américain n'avait pas réellement de preuves suffisantes pour empêcher le retour de Chaplin ; il est même probable qu'il aurait obtenu un visa s'il en avait fait la demande^[328],[329]. Cependant, quand il reçut un câblogramme l'informant de cette décision, Chaplin décida de rompre tous ses liens avec les États-Unis :

« Que je revienne ou non dans ce triste pays avait peu d'importance pour moi. J'aurais voulu leur dire que plus tôt je serais débarrassé de cette atmosphère haineuse, mieux je serais, que j'étais fatigué des insultes et de l'arrogance morale de l'Amérique^[330]. »

Comme tous ses biens étaient aux États-Unis, Chaplin ne fit aucun commentaire négatif dans la presse^[331], mais l'affaire fit sensation^[332]. Si Chaplin et son film furent bien accueillis en Europe^[327], Les Feux de la rampe fut largement boycotté aux États-Unis malgré des critiques positives^[333]. Maland écrivit que la chute de Chaplin d'un niveau de popularité inégalé « est peut-être la plus spectaculaire de toute l'histoire de la célébrité aux États-Unis^[334] ».

Années européennes (1953-1977) |

Suisse et Un roi à New York |

Chaplin ne tenta pas de revenir aux États-Unis après la révocation de son visa d'entrée et envoya sa femme à Los Angeles pour régler ses affaires^[336]. Le couple se décida pour la Suisse et la famille s'installa en janvier 1953 au manoir de Ban, une propriété de 15 hectares surplombant le lac Léman dans la commune de Corsier-sur-Vevey^[337]. Chaplin mit en vente sa résidence et son studio de Beverly Hills en mars et rendit son visa en avril. L'année suivante, sa femme renonça à sa nationalité américaine pour devenir Britannique^[338]. Il abandonna ses derniers liens professionnels avec les États-Unis en 1955 quand il vendit ses parts dans la United Artists, qui était du reste en difficultés financières depuis le début des années 1940^{[339],[340],[341]}.

Chaplin resta une figure controversée tout au long des années 1950, en particulier après qu'il eut reçu le prix international de la paix décerné par le Conseil mondial de la paix, d'obédience communiste, et ses rencontres avec le Chinois Zhou Enlai et le Soviétique Nikita Khrouchtchev^[342],[340]. Il commença à développer son premier film européen, Un roi à New York, en 1954^[343]. Jouant le rôle d'un roi exilé cherchant asile aux États-Unis, Chaplin exploita ses problèmes récents pour écrire le scénario. Son fils, Michael, est présenté comme un garçon dont les parents sont visés par le FBI, tandis que le personnage de Chaplin est accusé d'être un communiste^[344]. Cette satire politique parodiait les actions de l'HUAC ainsi que le consumérisme de la société américaine des années 1950^{[345],[346],[347],[348]}. Dans sa critique, le dramaturge John Osborne le qualifia de film le « plus acide… et de plus ouvertement personnel » de Chaplin^[349].

Chaplin fonda une nouvelle société de production appelée Attica et tourna dans les studios de Shepperton, dans la banlieue de Londres^[343]. Ce tournage fut difficile car il était habitué à son studio et à ses équipes hollywoodiennes, et ne disposait plus d'une durée de production illimitée. Selon Robinson, cela eut un impact sur la qualité du film^[350],[351], qui reçut des critiques mitigées à sa sortie en septembre 1957^{[352],[353],[354]}. Chaplin empêcha les journalistes américains d'assister à la première à Paris et décida de ne pas diffuser le film aux États-Unis. Cela handicapa fortement son impact commercial, même s'il connut un succès modeste en Europe^[355]. Un roi à New York ne fut présenté aux États-Unis qu'en 1973^[356].

Dernières années et regain d'intérêt |

À partir du milieu des années 1950, Chaplin se concentra sur la resonorisation et la réédition de ses anciens films, ainsi que sur la protection de ses droits d'auteur^[357]. La première de ces rééditions fut La Revue de Charlot (1959), comprenant de nouvelles versions d'Une vie de chien, de Charlot soldat et du Pèlerin^[358].

Aux États-Unis, l'atmosphère politique commença à évoluer et l'attention du public se tourna à nouveau vers les films de Chaplin et non plus vers ses opinions^[357]. En juillet 1962, le New York Times publia un éditorial indiquant que « nous ne pensons pas que la République serait en danger si l'inoublié petit Charlot d'hier était autorisé à se promener sur la passerelle d'un navire ou d'un avion dans un port américain^[359] ». Le même mois, Chaplin reçut un doctorat honorifique en Lettres des universités d'Oxford et de Durham^[360]. En novembre 1963, le Plaza Theater de New York commença une rétrospective des films de Chaplin, dont Monsieur Verdoux et Les Feux de la rampe pour lesquels les critiques furent bien plus positives que dix ans plus tôt^[361],[362]. Septembre 1964 vit la publication de ses mémoires, Histoire de ma vie, sur lesquels il travaillait depuis 1957^[363]. Le livre de 500 pages mettant l'accent sur ses premières années et sa vie privée connut un succès mondial, même si les critiques pointèrent le manque d'informations sur sa carrière cinématographique^[364],[365].

Peu après la publication de ses mémoires, Chaplin commença à travailler sur La Comtesse de Hong-Kong (1967), une comédie romantique basée sur un scénario qu'il avait écrit dans les années 1930 pour Paulette Goddard^[366]. Située sur un paquebot, l'action mettait en scène Marlon Brando jouant un ambassadeur américain et Sophia Loren dans le rôle d'une passagère clandestine^[366]. Le film différait des précédentes productions de Chaplin sur plusieurs points : il était le premier à employer le technicolor et la résolution écran large, tandis que Chaplin se concentra sur la réalisation et n'apparut à l'écran que dans le rôle mineur d'un steward malade^[367]. Il signa également un contrat avec le studio Universal Pictures pour le distribuer^[368]. La Comtesse de Hong-Kong reçut des critiques négatives à sa sortie en janvier 1967 et fut un échec commercial^{[369],[370],[371]}. Chaplin fut profondément affecté par ce revers et ce film fut son dernier^[369].

Chaplin fut victime de plusieurs AVC mineurs à la fin des années 1950 et cela marqua le début d'un lent déclin de sa santé^[372]. Malgré ces difficultés, il se mit rapidement à écrire le scénario de son nouveau projet de film, The Freak, sur une jeune fille ailée découverte en Amérique du Sud, projet destiné à lancer la carrière de sa fille, Victoria Chaplin^[372]. Sa santé fragile l'empêcha néanmoins de mener à bien ce projet^[373], et au début des années 1970 Chaplin se concentra plutôt sur la réédition de ses anciens films, dont Le Kid et Le Cirque^[374]. En 1971, il fut fait commandeur de l'Ordre national de la Légion d'honneur lors du festival de Cannes^[375] et l'année suivante il reçut un Lion d'or pour sa carrière durant la mostra de Venise^[376].

En 1972, l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences lui décerna un Oscar d'honneur, ce que Robinson considère comme le premier signe que les États-Unis « voulaient se faire pardonner ». Chaplin hésita à l'accepter, puis décida de se rendre à Los Angeles pour la première fois en vingt ans^[375]. La visite fit l'objet d'une large couverture médiatique, et lors de la remise de la récompense il reçut une ovation de douze minutes, la plus longue de toute l'histoire des Oscars^[377],[378]. Visiblement ému, Chaplin accepta la statuette rendant hommage « à l'effet incalculable qu'il a eu en faisant des films de cinéma la forme d'art de ce siècle^[379] ».

Même si Chaplin avait encore des projets de film, sa santé devint très fragile dans le milieu des années 1970^[380]. Plusieurs AVC affectèrent son élocution et il dut utiliser un fauteuil roulant^[381],[382]. Parmi ses dernières réalisations figurent la création d'une autobiographie en images, My Life in Pictures (1974) et la resonorisation de L'Opinion publique en 1976^[383]. Il apparut également dans un documentaire sur sa vie, The Gentleman Tramp (1975), réalisé par Richard Patterson^[384]. En 1975, la reine Élisabeth II le fit chevalier^{[383],[n 14]}.

Mort |

En octobre 1977, la santé de Chaplin s'était détériorée au point qu'il demandait une attention de tous les instants^[386]. Il mourut d'un AVC dans son sommeil le matin du 25 décembre 1977, à l'âge de 88 ans^[382]. Selon ses dernières volontés, une petite cérémonie funéraire anglicane fut organisée le 27 décembre et il fut inhumé dans le cimetière de Corsier-sur-Vevey^[386]. Parmi les hommages du monde du cinéma, le réalisateur René Clair écrivit qu'« il était un monument du cinéma^[387] » et l'acteur Bob Hope déclara : « nous avons eu de la chance de vivre à son époque^[388] ».

Le 1^er mars 1978, le cercueil de Chaplin fut exhumé et volé par deux mécaniciens automobile immigrés^[389], un Polonais, Roman Wardas, et un Bulgare, Gantcho Ganev. Leur but était d'extorquer une rançon de cent mille francs suisses à Oona Chaplin afin de pouvoir ouvrir plus tard un garage automobile. Ils furent arrêtés lors d'une vaste opération de police le 17 mai 1978 et le cercueil fut retrouvé enterré dans un champ de maïs près du village voisin de Noville. Il fut réenterré dans le cimetière de Corsier-sur-Vevey et un caveau en béton armé fut ajouté pour empêcher tout nouvel incident^[390],[391].

Œuvres |

Influences |

Chaplin considérait que sa première inspiration était sa mère qui l'amusait, alors qu'il était enfant, en s'asseyant à la fenêtre et en imitant les passants : « C'est grâce à elle que j'ai appris non seulement à exprimer des émotions avec mes mains et mon visage mais également à observer et à étudier les gens^[392] ». Les premières années de Chaplin dans le music-hall lui permirent d'observer le travail des comédiens ; il assista également aux spectacles de mime de Noël au théâtre de Drury Lane, où il étudia l'art de la frivolité avec des artistes comme Dan Leno^{[393],[394],[395]}. Ses années dans la compagnie de Fred Karno eurent un effet formateur sur sa carrière d'acteur et de réalisateur. Il y apprit à associer le tragique avec la comédie et à utiliser des éléments absurdes qui devinrent récurrents dans ses œuvres^[396]. Dans l'industrie cinématographique, Chaplin s'appuya sur les œuvres du comédien français Max Linder, qu'il admirait^{[397],[398],[399]}. En développant le costume et le jeu de Charlot, il s'inspira probablement de la scène de vaudeville américaine où les personnages de vagabond étaient courants^[400].

Méthodes |

Chaplin parlait assez peu de ses techniques de réalisation et avançait que cela était comme dévoiler ses secrets pour un magicien^[401]. On sait donc peu de chose sur ses manières de travailler^[402], mais elles ont été étudiées par Kevin Brownlow et David Gill et savamment exposées dans la série documentaire Unknown Chaplin (1983)^[403],[404].

Jusqu'à ce qu'il se mette à réaliser des films parlants avec Le Dictateur, Chaplin ne commençait jamais un tournage avec un scénario achevé^[405]. Pour ses premiers films, il n'avait qu'une vague idée de départ comme « Charlot se rend dans une station thermale » ou « Charlot travaille comme prêteur sur gage^[406] ». Il faisait ensuite réaliser les décors et travaillait avec les autres acteurs pour improviser des effets comiques tout en affinant le scénario tout au long de la production^[403],[404]. Alors que les idées étaient acceptées ou rejetées, une structure narrative émergeait et Chaplin était souvent obligé de retourner des scènes qui pouvaient aller à l'encontre de l'histoire^{[407],[408],[409]}. À partir de L'Opinion publique, Chaplin commença à réaliser le tournage à partir d'un scénario préétabli^[410], mais Robinson écrivit que tous ses films, jusqu'aux Temps modernes, continuèrent à subir des modifications jusqu'à atteindre leur forme finale^[411].

En réalisant des films de cette manière, Chaplin avait besoin de plus de temps que tout autre réalisateur de l'époque^[412]. S'il était à court d'idées, il s'éloignait alors du studio pendant plusieurs jours, tout en maintenant ses équipes prêtes dès que l'inspiration reviendrait^[413],[414]. Le processus de réalisation était également ralenti par son perfectionnisme^[415],[416]. Selon son ami et réalisateur britannique Ivor Montagu, « rien d'autre que la perfection n'était suffisant » pour lui^[417]. Comme il finançait personnellement ses films, Chaplin avait toute liberté pour atteindre cet objectif et réaliser autant de prises que nécessaire^[418],[417]. Leur nombre était ainsi souvent excessif ; chaque prise terminée pour Le Kid en avait nécessité 53^[419],[420] tandis que pour réaliser les 20 minutes de L'Émigrant, il utilisa plus de 12 000 m de pellicule, une longueur suffisante pour faire un long-métrage^[421],[422].

Décrivant ses méthodes de production comme de la « pure détermination jusqu'au bord de la folie^[423] », Chaplin était généralement complètement épuisé par les tournages^[424],[425]. Robinson écrivit que même dans ses dernières années, son travail « avait la priorité sur tout et tout le monde^[426] ». Le mélange d'improvisation et de perfectionnisme qui se traduisait par des jours d'efforts et des milliers de mètres de pellicule gâchés, se révélait éprouvant pour Chaplin qui pouvait se déchaîner contre ses acteurs et ses équipes^{[427],[428],[124]}.

Chaplin exerçait un contrôle complet sur ses œuvres^[401], au point qu'il mimait les autres rôles et voulait que ses acteurs l'imitent exactement^{[429],[430],[431]}. Il effectuait personnellement le montage de tous ses films et fouillait dans les grandes quantités de pellicules pour créer le film qu'il voulait^[432]. Chaplin recevait néanmoins l'aide d'autres artistes, dont son ami et directeur de la photographie Roland Totheroh, son frère Sydney Chaplin et divers assistants réalisateurs, comme Harry Crocker, Dan James et Charles Reisner^[433].

Style et thèmes |

Si le style comique de Chaplin est généralement qualifié de slapstick^[434], il est considéré comme retenu et intelligent^[435], et l'historien de cinéma Philip Kemp décrit son travail comme un mélange de « comédie physique gracieuse et de comique de situation bien réfléchi^[171] ». Chaplin s'éloigna du slapstick traditionnel en ralentissant le rythme de l'action et en se concentrant sur la relation du spectateur avec les personnages^[73],[436]. Robinson avança que les effets comiques dans les films de Chaplin étaient centrés sur l'attitude de Charlot aux choses qui lui arrivaient : l'humour ne venait pas du fait que Charlot rentrait dans un arbre, mais qu'il soulève son chapeau pour s'excuser^[73]. Son biographe Dan Kamin écrivit que les « manières excentriques » de Chaplin et son « comportement sérieux au cœur du slapstick » sont d'autres aspects centraux de son style comique^[437].

Les films muets de Chaplin suivaient généralement les efforts de Charlot pour survivre dans un monde hostile^[438]. Même s'il vit dans la pauvreté et est fréquemment maltraité, il reste gentil et optimiste^{[171],[439],[440]} ; défiant sa position sociale, il s'efforce d'être vu comme un gentleman^[441]. Charlot s'oppose aux figures de l'autorité^[442] et « donne autant qu'il reçoit^[443] », ce qui poussa Robinson et Louvish à voir en lui un représentant des défavorisés : « Un Monsieur Tout-le-monde devenant un sauveur héroïque^[444],[445] ». Hansmeyer note que plusieurs des films de Chaplin se terminent avec « Charlot démuni et seul [marchant] avec optimisme… vers le soleil couchant… pour poursuivre son voyage^[440] ».

L'emploi du pathos est un aspect bien connu de l'œuvre de Chaplin^[446],[447] et Larcher note sa capacité à « [provoquer] les rires et les larmes^[302] ». Chaplin s'appuyait parfois sur des événements tragiques pour ses films comme dans La Ruée vers l'or, qui fut inspirée par le destin malheureux de l'expédition Donner^[448]. Différents thèmes étaient représentés dans ses premières comédies comme l'avarice (La Ruée vers l'or), l'abandon (Le Kid)^[449] et des sujets plus controversés comme l'immigration (L'Émigrant) ou la drogue (Charlot policeman)^[436].

Les commentaires sociaux étaient également importants dans ses premiers films, car il représentait les démunis sous un jour positif et soulignait leurs difficultés^[450]. Par la suite, il développa un grand intérêt pour l'économie et se sentit obligé de faire partager ses opinions dans ses films^[451],[241]. Les Temps modernes illustrait les conditions de travail difficiles des ouvriers de l'industrie, Le Dictateur parodiait Hitler et Mussolini et se terminait par un discours contre le nationalisme, Monsieur Verdoux critiquait la guerre et le nationalisme tandis qu'Un roi à New York attaquait le maccarthysme^[452].

Chaplin intégra plusieurs éléments autobiographiques dans ses films et le psychologue Sigmund Freud considérait qu'il « se représentait toujours comme il était dans sa triste enfance^[453] ». Il est généralement admis que Le Kid reflète le traumatisme qu'il a subi dans un orphelinat^[453], tandis que le personnage principal des Feux de la rampe fait référence à la vie de ses parents^[454] et que Un roi à New York renvoie à son expulsion des États-Unis^[347]. Son biographe Stephen M. Weissman nota que sa relation difficile avec sa mère souffrant de troubles mentaux est souvent reflétée dans les personnages féminins de ses films et par le désir de Charlot de les sauver^[453].

En ce qui concerne la structure de ses films, l'historien du cinéma Gerald Mast les voit comme une série de sketchs reliés par une même trame plutôt que comme une suite ordonnée par un scénario précis^[455]. Visuellement, ils sont simples et économiques^[456],[457], avec des scènes jouées comme au théâtre^{[458],[436],[459]}. Dans son autobiographie, Chaplin écrivit que « la simplicité est préférable… les effets pompeux ralentissent l'action, sont ennuyeux et désagréables… La caméra ne doit pas faire irruption^[460] ». Cette approche n'a pas fait l'unanimité et elle a été qualifiée de démodée depuis les années 1940^{[461],[456],[462]}, tandis que l'historien du cinéma Donald McCaffrey y voit une indication que Chaplin n'a jamais complètement compris le média cinématographique^[463]. Kamin avança néanmoins que le talent comique de Chaplin n'aurait jamais été suffisant pour qu'il reste drôle à l'écran s'il n'avait pas eu « la capacité de concevoir et de diriger des scènes spécifiquement pour le cinéma^[464] ».

Musique |

Chaplin développa dès l'enfance une passion pour la musique et apprit seul à jouer du piano, du violon et du violoncelle^[465],[466]. Il considérait que l'accompagnement musical faisait partie intégrante du film^[192] et à partir de L'Opinion publique il consacra beaucoup de temps à ce domaine^[465]. Il composa lui-même la bande-son des Lumières de la ville et fit de même pour tous ses films suivants ; à partir de la fin des années 1950 et jusqu'à sa mort, il resonorisa tous ses anciens courts-métrages silencieux^[467].

Comme il n'avait reçu aucune éducation musicale, Chaplin ne savait pas lire ou écrire des partitions. Il fit donc appel à des compositeurs professionnels comme David Raksin, Raymond Rasch et Eric James pour mettre en forme ses idées. Certains critiques ont ainsi avancé que la musique de ses films devait être attribuée aux compositeurs ayant travaillé avec lui ; Raksin, qui participa à la mise en musique des Temps Modernes, a néanmoins souligné le rôle créatif et moteur de Chaplin dans le processus de composition^[468]. Au début de ce travail, qui pouvait durer des mois, Chaplin décrivait exactement ce qu'il voulait aux compositeurs et jouait les éléments qu'il avait improvisés au piano^[468]. Ces mélodies étaient ensuite développées en étroite collaboration^[468]. Pour l'historien du cinéma Jeffrey Vance, « même s'il s'appuyait sur ses associés pour mettre en forme des instrumentations complexes, les consignes musicales étaient les siennes, et pas une note n'était placée sans son accord^[467] ».

Les compositions de Chaplin donnèrent lieu à trois chansons populaires. Smile, composée pour Les Temps modernes, fut par la suite mise en paroles par John Turner et Geoffrey Parsons, puis interprétée par Nat King Cole en 1954^[467]. Pour Les Feux de la rampe, Chaplin composa Terry's Theme, qui fut popularisée par Jimmy Young sous le titre Eternally en 1952^[469]. Enfin, la chanson This Is My Song, chantée par Petula Clark pour La Comtesse de Hong-Kong, connut un grand succès commercial et atteignit la première place du palmarès britannique en 1967^[470]. En dehors de ses deux récompenses d'honneur, le seul Oscar que Chaplin remporta fut celui de la meilleure musique de film à l'occasion de la réédition des Feux de la rampe en 1973^{[467],[n 15]}.

Héritage |

En 1998, le critique Andrew Sarris écrivit que Chaplin est « sans doute le plus grand artiste que le cinéma ait créé, certainement son interprète le plus extraordinaire et probablement encore son icône la plus universelle »^[472]. Il est décrit par le British Film Institute comme « une figure tutélaire de la culture mondiale^[473] », et le magazine Time le lista parmi les 100 personnes les plus importantes du XX^e siècle pour « les rires [qu'il a apportés] à des millions de personnes » et parce qu'il a « plus ou moins inventé la célébrité mondiale et aidé à transformer une industrie en un art »^[474].

L'historien du cinéma Christian Hansmeyer a noté que l'image de Charlot fait partie de l'histoire culturelle^[475] ; selon Simon Louvish, ce personnage est connu même dans les endroits où ses films n'ont jamais été projetés^[476]. Le critique Richard Schickel suggère que les films de Chaplin avec Charlot présentent « les expressions comiques de l'esprit humain les plus éloquentes et les plus riches » de l'histoire du cinéma^[477]. Les objets associés au personnage continuent de fasciner le public et en 2006, un chapeau melon et une canne en bambou ayant appartenu à Chaplin furent achetés 140 000 $ lors d'une vente aux enchères à Los Angeles^[478].

En tant que réalisateur, Chaplin est considéré comme un pionnier et l'une des figures les plus influentes du début du XX^e siècle^{[479],[480],[475],[472]}. L'historien du cinéma Mark Cousins a écrit que Chaplin « a changé non seulement l'imagerie du cinéma mais également sa sociologie et sa grammaire » et avance qu'il joua un rôle important dans l'établissement de la comédie en tant que genre, parallèlement à ce qu'avait fait D. W. Griffith pour le drame^[481]. Il fut le premier à populariser les longs-métrages comiques et à ralentir le rythme de l'action pour y ajouter de la finesse et du pathos^[482],[483]. Pour Robinson, les innovations de Chaplin furent « rapidement assimilées et devinrent les pratiques de base de la réalisation cinématographique »^[484]. Federico Fellini (qui définit Chaplin comme « une sorte d'Adam duquel nous sommes tous issus »^[388]), Jacques Tati (« sans lui, je n'aurais jamais fait un film »^[388]), René Clair (« il a inspiré pratiquement tous les réalisateurs »^[387]), Michael Powell^[485], Billy Wilder^[486] et Richard Attenborough^[487] figurent parmi les réalisateurs ayant affirmé avoir été influencés par Chaplin.

Chaplin inspira également de futurs comédiens, comme Marcel Marceau, qui indiqua qu'il se décida à devenir mime après l'avoir vu^[483], ou Raj Kapoor, qui basa son jeu sur celui de Charlot^[486]. Mark Cousins a également identifié le style comique de Chaplin chez les personnages français de Monsieur Hulot et italien de Totò^[486], sans oublier qu'il a également influencé des personnages de dessin animé comme Félix le Chat^[488] ou Mickey Mouse^[489]. En tant que membre fondateur de la United Artists, Chaplin eut un rôle important dans le développement de l'industrie cinématographique. Gerald Mast a noté que même si cette société ne rivalisa jamais avec la MGM ou la Paramount, l'idée que des réalisateurs puissent produire leurs propres films était « très en avance sur son temps »^[490].

À l'occasion de l'exposition universelle de Bruxelles, en 1958, un jury international de 117 critiques établit un classement des meilleurs films de tous les temps : La Ruée vers l'or (1925) fut classé deuxième derrière Le Cuirassé « Potemkine » de Sergueï Eisenstein (1925) et devant Le Voleur de bicyclette de Vittorio De Sica (1948). Plusieurs des films de Chaplin restent encore aujourd'hui considérés comme parmi les plus grands jamais réalisés. Le palmarès 2012 de la revue britannique Sight and Sound, mené auprès de critiques de cinéma sur les meilleurs films de l'histoire, liste respectivement Les Lumières de la ville, Les Temps modernes, Le Dictateur et La Ruée vers l'or aux 50^e, 63^e, 144^e et 154^e places^[491] ; la même étude réalisée auprès de réalisateurs situe Les Temps modernes à la 22^e place, Les Lumières de la ville à la 30^e et La Ruée vers l'or à la 91^e[492]. En 2007, l'American Film Institute nomma Les Lumières de la ville le 11^e plus grand film américain de tous les temps, tandis que La Ruée vers l'or et Les Temps modernes figuraient dans le top 100^[493].

Hommages |

En avril 2016, le manoir de Ban à Corsier-sur-Vevey en Suisse, où il a passé les vingt-cinq dernières années de son existence, est devenu un musée consacré à sa vie et son œuvre. Le musée, appelé « Chaplin's World »^[494], est le fruit d'un partenariat entre la Compagnie des Alpes (CDA), Genii Capital et Chaplin Museum Development (CMD)^[495]. La commune de Corsier-sur-Vevey a donné son nom à un parc et une stèle y rappelle la mémoire de l'illustre résident.

La ville voisine de Vevey a nommé en son honneur un square^[496] sur le quai Perdonnet, au bord du lac Léman, et y a édifié en 1982 une statue de Chaplin, œuvre du sculpteur britannique John Doubleday^[497]. Au nord de la ville, à quelques centaines de mètres du Manoir de Ban, deux immeubles de 14 étages ont été décorés de fresques évoquant la carrière de l'artiste^[498].

La ville irlandaise de Waterville, où Chaplin passa plusieurs étés en famille dans les années 1960, accueille chaque année depuis 2011 le Charlie Chaplin Comedy Film Festival destiné à honorer l'héritage du comédien et à découvrir de nouveaux talents^[499]. Parmi les autres hommages, un objet mineur, (3623) Chaplin, a été nommé en son honneur en 1981 par l'astronome soviétique Lioudmila Karatchkina^[500] et de très nombreux pays ont émis des timbres portant son effigie^[501].

L'héritage de Chaplin est géré par l'Association Chaplin, fondée par plusieurs de ses enfants, et qui possède les droits d'auteur sur son image, son nom et sur la plupart des films réalisés après 1918^[502],[503]. La Cinémathèque de Bologne, en Italie, abrite les principales archives de l'Association, dont 86 630 images, 976 manuscrits et 7 756 lettres^[504]. Plus de 10 000 photographies sur sa vie et sa carrière sont également entreposées au Musée de l'Élysée à Lausanne, en Suisse^[505]. Au Royaume-Uni, le British Film Institute accueille depuis 2010 une exposition permanente intitulée Charlie Chaplin - The Great Londoner^[506], et il a fondé le Charles Chaplin Research Foundation, qui a organisé la première conférence internationale sur le cinéaste à Londres, en juillet 2005^[507].

Chaplin a fait l'objet d'un film biographique réalisé par Richard Attenborough, Chaplin, en 1992 ; il y est personnifié par Robert Downey Jr., qui fut nommé à l'Oscar du meilleur acteur et remporta le BAFTA du meilleur acteur^[508]. Il fut également joué par Eddie Izzard dans le film Un parfum de meurtre (2001)^[509]. Une série télévisée sur l'enfance de Chaplin, Young Charlie Chaplin, fut diffusée par PBS en 1989 et fut nommée pour l'Emmy Award de meilleur programme pour enfants^[510].

La Rançon de la gloire (2014), de Xavier Beauvois, évoque par ailleurs le vol de la dépouille de Charlie Chaplin en 1978.

Récompenses et distinctions |

Chaplin reçut de nombreuses récompenses et distinctions, particulièrement à la fin de sa vie. En 1962, les universités de Durham et d'Oxford lui décernèrent un diplôme honorifique de docteur ès Lettres^[360]. En 1965, il partagea le prix Érasme avec Ingmar Bergman^[511], et en 1971, il fut fait commandeur de l'Ordre national de la Légion d'honneur par le gouvernement français^[512]. En 1975, il fut anobli par la reine Élisabeth II et fait chevalier commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique^[513].

L'industrie cinématographie le récompensa avec un Lion d'or spécial à la Mostra de Venise de 1972^[514], ainsi qu'une étoile sur le Walk of Fame d'Hollywood en 1970 (cette inscription lui avait auparavant été refusée en raison de ses opinions politiques^[515]).

Chaplin reçut au total trois Oscars : un premier Oscar d'honneur en 1929 « pour sa polyvalence et son génie à jouer, écrire, mettre en scène et produire Le Cirque^[193] », un second en 1972 « pour l'effet incalculable qu'il a eu en faisant des films de cinéma la forme d'art de ce siècle^[379] » et un troisième en 1973 pour la meilleure musique originale (conjointement avec Ray Rasch et Larry Russell), pour Les Feux de la Rampe^[467]. Il fut également nommé dans les catégories du meilleur acteur, du meilleur film et du meilleur scénario pour Le Dictateur, ainsi que dans celle du meilleur scénario pour Monsieur Verdoux^[516].

Six des films de Chaplin ont été sélectionnés pour être préservés dans le National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès américaine : L'Émigrant (1917), Le Kid (1921), La Ruée vers l'or (1925), Les Lumières de la ville (1931), Les Temps modernes (1936) et Le Dictateur (1940)^[517].

Filmographie |

À l'occasion de la publication de son autobiographie, Chaplin a établi sa filmographie, qui se composait alors de 80 films (La Comtesse de Hong-Kong, réalisé trois ans plus tard, s'y est par la suite ajouté). En 2010, une copie de La Course au voleur, réalisé en 1914 et jusqu'alors considéré comme perdu, fut découverte chez un antiquaire du Michigan, portant ainsi sa filmographie à 82 films^[518].

Tous les films de Chaplin, jusqu'au Cirque inclus, sont muets, même si certains ont été réédités avec des bandes-son. Les Lumières de la ville et Les Temps modernes sont muets, mais intègrent des bandes-son composées de musique, de bruitages et de séquences parlées pour le second. Les cinq derniers films de Chaplin sont parlants. Hormis La Comtesse de Hong-Kong, tous les films de Chaplin furent tournés en format 35 mm, noir et blanc.

Longs métrages |

• 
  Le Kid (1921)


• 
  L'Opinion publique (1923)


• 
  La Ruée vers l'or (1925)


• 
  Le Cirque (1928)


• 
  Les Lumières de la ville (1931)


• 
  Les Temps modernes (1936)


• 
  Le Dictateur (1940)


• 
  Monsieur Verdoux (1947)


• 
  Les Feux de la rampe (1952)


• 
  Un roi à New York (1957)


• 
  La Comtesse de Hong-Kong (1967)

Distinctions |

Récompenses |

• 
  1^re cérémonie des Oscars 1929 : Lauréat de l'Oscar d'honneur - Pour sa polyvalence et son génie à jouer, écrire, mettre en scène et produire Le Cirque (The Circus) (1928) - Chaplin fut nommé dans la catégorie Meilleur Acteur, mais l'Académie l'a mis hors compétition, de sorte qu'il n'a pu recevoir l'Oscar d'honneur.


• 
  44^e cérémonie des Oscars 1972 : Lauréat de l'Oscar d'honneur - « pour l'effet incalculable qu’il a eu en faisant des films de cinéma la forme d'art de ce siècle. » (« for the incalculable effect he has had in making motion pictures the art form of this century. »).


• 
  45^e cérémonie des Oscars 1973 : Lauréat de l'Oscar de la meilleure musique de film pour Les Feux de la rampe (Limelight) (réalisé en 1952, mais sorti en 1972), partagé avec Raymond Rasch (en) et Larry Russell (en).

Notes et références |

Notes |

Références |

• 
  (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Charlie Chaplin » (voir la liste des auteurs).

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Liens externes |

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  (fr) Site du Chaplin's World, le musée Charlie Chaplin au Manoir de Ban en Suisse
  


• 
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• 
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• 
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